Pablo Guerrero, Socio Honorario, Socio Emérito y Socio Fundador Ilustre del Club Fotográfico Medellín, ha permanecido activo en éste desde su fundación hace 66 años.
Estudió fotografía en el New York Institute of Photography y ha sido docente universitario de esta disciplina artística. Fue miembro de la Asociación Colombiana del Artistas Plásticos y posee el título de Artista FIAP otorgado por la Federación Internacionale de L’Art Photográphique. En su historial figuran numerosas exposiciones individuales y colectivas, premios, medallas y diversas distinciones e igualmente varios libros publicados.
El día 12 de Octubre se dió apertura a la exposición del Maestro en la Biblioteca Pública Piloto, Sede Central Carlos E. Restrepo.
La exposición se llama "La Piel Al Sol" y es un viaje guiado por las lecturas, conversaciones y pensamientos que el maestro Pablo Guerrero, puso en sus fotografías para convertirlas en arte; un recorrido que profundiza en las motivaciones de este creador para que gocemos del privilegio de ser con él viajeros en el tiempo. A través de esta conoceremos los inicios en la fotografía, inspiraciones y muchos mas detalles sobre la vida y obra del Maestro.
Su familia, amigos, socios y miembros de la Junta Directiva del Club Fotográfico Medellín lo acompañaron en la apertura de la exposición, que estará disponible para todos hasta el mes de noviembre.
Desde ahora el archivo del maestro Pablo reposa en la Biblioteca Pública Piloto al lado de otros grandes fotógrafos de nuestra ciudad.
¡Te invitamos a conocerla!
No necesitas el mejor equipo, no necesitas gastar lo que no tienes para comprar una máquina súper avanzada, si aún no conoces la técnica.
Si te interesa este tema, te invitamos a leer este artículo de Cool Hunter sobre Editoriales de moda, entre la comunicación y el arte: CLICK AQUÍ PARA LEER EL ARTÍCULO
El viernes 24 de septiembre nos embarcamos en una aventura de tres días. Vivimos mas de 30 actividades relacionadas con la fotografía como arte, oficio y estilo de vida. También disfrutamos y conocimos por medio de estas actividades la cultura y tradición jericoana. Pueblo patrimonio que con sus calles mágicas, su historia donde se ve reflejado el empuje, innovación y gran inclinación al arte (que se aprecia en cada rincón del pueblo) nos llena de orgullo como Antioqueños y Colombianos.
Uno de los objetivos del Festival Fotográfico De Antioquia es "Estimular el trabajo fotográfico que se realice durante el festival dando continuidad a procesos creativos". Por eso se llevó a cabo el Concurso Fotográfico del Festival, su tema; Jericó, pueblo patrimonio de Colombia: Incluidas arquitectura, artesanías, oficios, personas, manifestaciones culturales, artísticas, religiosas, paisajes naturales, riqueza hídrica, flora y fauna.
Estos son los ganadores:
Polvo hecho luz - Camilo Aristizabal - Mención
Más allá del tiempo - Gabriel Gallego - Cuarto Lugar
Soy de las antiguas con 92 - María Clemencia Arbelaez - Tercer Lugar
Las amigas de Laura - Andrés Montoya - Segundo Lugar
Herencias -Edwin Rodríguez - Primer Lugar
Las palabras no son suficientes para agradecer a Jericó y su gente, por recibirnos con brazos abiertos y amables sonrisas, por hacernos sentir como en casa, pero sobretodo, por el legado tan enorme que en sus 171 años han y siguen construyendo.
La fotografía de alimentos no se trata de simplemente poner una manzana en un plato y listo, sino de buscar un toque particular para que llame la atención público y lo invite a consumir o comprar.
Es necesario elegir la iluminación, la composición y los elemento apropiados. Te diremos los trucos más importantes de este tipo de fotografía y cómo debes aplicarlos.
La ventaja de la luz natural es que añade realismo y autenticidad a una imagen, pero esto no quiere decir que necesites los rayos del sol directos, sino que busques una ventana o un espacio donde tengas unos rayos indirectos.
Si eliges un interior, lo mejor es usar un trípode, sin importar qué velocidad manejes. Elige fondos claros o con poco contraste para que solo resalte la comida.
La luz artificial tiene como ventaja que tienes control de ella, sin importar la hora o el lugar. Nunca uses un flash directo sino uno lateral, y un difusor de luz. Para tener el contraste adecuado también necesitas un reflector para rebotar la luz y evitar las sombras abruptas.
Las ventajas de la luz lateral son: proporciona textura a los alimentos, define su contorno y les da mayor volumen.
Involúcrate desde la preparación de los alimentos. Esto te dará una idea más clara del arreglo en tu composición. Por ejemplo, ¿qué ingredientes son fotogénicos y puedo incluir en la foto?
Los patrones coloridos y atractivos visualmente son muy populares. En este tipo de fotografía no resalta un elemento en especial sino el encuadre completo.
Decide tu fondo en función del mensaje que quieras transmitir. Las mesas de madera como fondo son una buena opción porque da una apariencia más real y de tradición. Si buscas un enfoque minimalista, la opción es que todo sea de color blanco. Los postres, las verduras, bebidas y las frutas son perfectas para este tipo de fondo.
Para conocer un poco mas sobre este tipo de fotografía y consejos para cada día mejorar en ella, te invitamos a leer el artículo de Canva Blog Trucos para que las fotos de comida se vean deliciosamente tentadoras.
Diane Arbus, la fotógrafa de freaks y fenómenos de feria quién buscaba mostrar la incuestionable belleza donde en principio la sociedad dice que no la hay.
Judía neoyorquina, Arbus conoció a su marido Allan, un fotógrafo que le dio su apellido y una cámara. En poco tiempo Diane superó a su marido en talento y The Guggenheim Museums and Foundation le concedió una beca, para que continuara desarrollando su carrera como artista y fotógrafa.
Trabajó desde los años 40, primero en fotografía de moda (hizo fotos para Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar), pero pronto empezó a ver en los sujetos fotografiados algo que nadie más parecía observar.
Arbus vio la película Freaks de Tod Browning y su percepción sobre la fotografía cambió. Decidió abandonar a las modelos para centrarse en esa "gente extraña". En los años 60 Arbus recorría peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes más carismáticos y aterradores que podía encontrar, entre los que se encontraban enanos, gigantes, freaks, tatuados, prostitutas, transexuales, gemelos… Y cuanto más "extraños" para la época mejor.
Diane Arbus consiguió sacar belleza de esta gente en principio en las antípodas de lo que era bello. Su estilo de fotografía en blanco y negro parecía retratar el alma de los fotografiados, y debe ser que toda alma es bella, porque sus fotos son belleza pura.
A los 48 años, tras una larga depresión, se quitó la vida con una sobredosis de pastillas y cortándose las venas.
Son de fácil manejo, automáticas, su objetivo es fijo (no intercambiable) y tienen un zoom de entre 4 y 10x. Además, poseen un sensor muy pequeño, lo que explica la calidad de las imágenes.
Las cámaras compactas, como las conocemos a día de hoy, empezaron a lanzarse al mercado en la década de los 2000. Sin embargo, la evolución de la cámara compacta se remonta a mucho tiempo atrás.
En 1888, la grandiosa Kodak lanzó en Estados Unidos la primera versión de esta cámara, conocida popularmente como “cámara caja”. Su modo de uso era tan intuitivo que hasta su eslogan transmitía esa facilidad: “Usted aprieta el botón; del resto nos encargamos nosotros”.
En la década de 1920, la compañía Agfa lanzó al mercado su famosa cámara compacta Agfa Box, que ayudó a impulsar la fotografía como un pasatiempo al alcance de todos. Su forma de uso era muy similar a la fabricada por Kodak, siempre listas para disparar.
En la década de los 30, ya se había vuelto una tendencia fabricar y mejorar las cámaras compactas que iban saliendo al mercado. Poco a poco, la evolución de la cámara compacta fue trayendo nuevos avances en calidad y en tamaño.
Con el paso del tiempo, las cámaras compactas fueron optimizando sus usos y posibilidades para perdurar durante años, hasta convertirse en la primera opción para un nicho muy específico de aficionados a la fotografía.
La fotografía de aves es una disciplina de la fotografía y para nadie es un secreto que no es fácil. Debemos armarnos de paciencia ya que es muy probable que pases horas intentando sacar una buena foto y al final no lograr el resultado deseado.
Por esto hemos creído conveniente mostrarte una serie de consejos para ayudarte a mejorar en este tipo de fotografía.
Los pájaros son animales en continuo movimiento que exigirán mucha rapidez, enfoque y tiempo de exposición de la toma. Por esta razón, necesitarás contar con un tiempo de exposición muy reducido para evitar que la foto salga movida, es importante contar con la suficiente luz como para que la exposición de la toma pueda ser correcta.
Lo mas seguro es que estarás usando un teleobjetivo y no te podrás permitir contar con una apertura excesivamente abierta para disponer de la suficiente profundidad de campo. Tienes que usar una apertura relativamente cerrada (bien por restricción de tu objetivo, bien para garantizar una adecuada profundidad de campo) y, como es lógico, no subir en exceso el valor de sensibilidad ISO de la toma, deberás contar con la suficiente iluminación en la escena para que quede correctamente expuesta. ¿Verdad?
2. Estudia como se mueven ellos y tu quédate quieto
No moverse es fundamental para conseguir que no se asusten y se alejen de ti. También sugerimos usar ropa de camuflaje, o al menos con colores no muy llamativos, o, también, mantenerse en el interior de casas, carros, arboles grandes, etc.
Analiza el movimiento del ave y una vez que ya seas capaz de predecir si permanecerá estático o si volará en una determinada dirección, será cuando podrás comenzar con las fotografías para tratar de captarlo y conseguir el mejor resultado posible.
3. Activa el modo ráfaga
Incluso con sus alas recogidas, los pájaros son animales "eléctricos", no paran, y esa hiperactividad se incrementa aún más si están en vuelo.
Por tanto, si tu cámara dispone del modo ráfaga es recomendable activarlo y, una vez que te dispongas a retratar al animal en una determinada posición, realiza más de un disparo para garantizar que al menos uno será correcto.
Para mas consejos sobre esta disciplina, te invitamos a visitar el Blog de dzoom FOTOGRAFÍA DE AVES
El estilo fotográfico minimalista viene del movimiento artístico del minimalismo. Este movimiento nació en la década de 1950 en Estados Unidos, cuando se comenzó a utilizar el término “Minimal Art” como una corriente opuesta al arte objectual, el expresionismo abstracto, y al Pop Art.
A partir de allí, el minimalismo influenció la fotografía, dando origen a la fotografía minimalista, la arquitectura, la escritura, la moda y muchas otras disciplinas que tomaron como base la conceptualización del arte minimalista.
Algunos expositores de esta corriente son:
Masao Yamamoto
Las fotos de Masao Yamamoto (Japón, 1957) nos sumergen en un mar de fragilidad, de sencillez y nos invitan a un viaje a lo esencial de la vida a través de su belleza analógica.
Pintor de profesión pero fotógrafo por vocación, comparte fotografías de pequeño formato deliberadamente envejecidas que intentan evocar recuerdos felices y reflexiones sobre la vida. Curiosamente Yamamoto habla de Shikuza y la define como aquellos tesoros que son puros, claros y limpios y que encuentra en el silencio de la naturaleza.
Descritos como 'haikus visuales', sus trabajos retratan objetos pequeños fotografiados individualmente que hace que el espectador vea, piense, reflexione e incluso bucee entre su memoria para sugerir cuestiones acerca de la vida del ser humano.
En el blog de Cultura Inquieta, (fuente de este extracto sobre su obra) encontrarán una recopilación de algunas de sus fotografías mas emblemáticas. LINK AQUÍ
Hengki Koentjoro
Hengki Koentjoro es un fotógrafo consumado, cuya especialidad es capturar el espectro completo de matices entre el blanco y el negro. Nació en Semarang, Java Central, Indonesia el 24 de marzo de 1963 y hoy vive y trabaja en Yakarta. Se educó en el Brooks Institute of Photography en Santa Bárbara, California, una expedición que lo sumergió en el campo profesional de la producción de videos y la fotografía artística.
Comenzó a tomar fotos a los 11 años cuando recibió una cámara para su cumpleaños. Desde entonces, ha sido una verdadera historia de amor entre Hengki y la fotografía. Está hecho de una compleja coreografía de composición, textura, formas y líneas.
Cuando regresó a Indonesia, Hengki se mudó a Yakarta y realizó videos para documentales sobre la naturaleza o sobre perfiles de emprendedores. ¿Su tema favorito? Fotografías de naturaleza o fauna submarina. También se sumerge en lo que cree que es su misión en la vida: el arte de la fotografía en blanco y negro. Explora los límites entre la sombra y la luz, el yin y el yang. La celebración de la complejidad en el minimalismo. Sumerja del espíritu a la materia y viceversa.
Fuente: ARTSPER.COM donde también podrán comprar sus obras.
Rosa Isabel Vázquez
Madrid 1971. Forma, junto a José Antonio Fernández, la pareja artística Rojo Sache. Sus obras han recibido más de 100 galardones internacionales y han sido expuestas en galerías y museos de diferentes países del mundo (España, Portugal, Francia, Italia, Reino Unido, Alemania, Argentina, Estados Unidos y China) y participado en eventos nacionales como PhotoEspaña (Programa oficial y Festival Off), Sección Oficial del Festival Outono Fotográfico (Galicia), Fotogenio (Mazarrón), Kontenporanea (Irún), Festival El Sol (Bilbao), Primavera Fotográfica de Albacete, Sonimagfoto (Barcelona) o la Biennial of Fine Art & Documentary Photography en Málaga e internacionales como Voies Off del Festival Internacional de Fotografía de Arlés (Francia), Encontros da Imagem (Braga, Portugal), Padova PhotograPhia (Padua, Italia), la Biennale Genovarte (Génova, Italia) o el Photissima Art Fair (Torino, Italia).
Fuente: ROSAVAZQUEZ.COM
Sinziana Velicescu
Sinziana Velicescu es una fotógrafa y cineasta que vive en Los Ángeles, California. Se graduó de la Universidad del Sur de California con una licenciatura en Literatura y Cine Comparadas.
La fotografía de Sinziana explora la intervención humana con la naturaleza en paisajes que han sufrido cambios políticos, sociales o ambientales.
Apropiando el vocabulario arquitectónico, Velicescu interrumpe la topografía cotidiana a través de una composición cuidadosa para desarrollar una narrativa elegante y humorística para contar la historia del lugar.
Velicescu's award serie ganadora, "On The Periphery", se ha mostrado en galerías a nivel internacional y ahora disponibles como libro de tapa dura, publicado por Aint-Bad.
Fuente: INDEPENDENT PHOTO
Instagram de la artista: @casualtimetravel
Guy Bourdin
Fue un pintor y fotógrafo autodidacta, que sin sospecharlo cimbraría las imágenes de moda para siempre. El nacido en París el 2 de diciembre de 1928, impactó con sus tomas, ya que fueron sumamente escandalosas en su tiempo.
Controversial, se caracterizó por llevar más allá sus postales, dotándolas de una narrativa que no se había visto hasta ese momento. Colaboró con Vogue o marcas como Chanel, dejando una huella relevante en el mundo de la publicidad. Sus historias y composiciones fueron fascinantes a color o en blanco y negro.
Sugerente y surrealista vio en el cuerpo de la mujer una fuente inagotable de arte. Se apoyaba de efectos dramáticos para dar mucha más amplitud a sus obras. Quienes lo conocieron contaban que era un perfeccionista incorregible. Por lo que hizo temblar a la moral que imperaba y parecía disfrutar del escándalo que provocaba. Lo que es un hecho es que capturaba inmediatamente la atención del otro.
Falleció en 1991, no sin antes sentar un precedente importante para la fotografía.
Fuente: FAHRENHEIT MAGAZINE
La fotografía deportiva tiene como motivaciones mostrar el movimiento, el esfuerzo, la competición. Se caracteriza sobre todo por captar el instante, por congelar ese movimiento a veces casi imperceptible para el ojo humano que la cámara recoge y también la belleza y la plasticidad que hay en el deporte.
A punto de acabarse los Juegos Olímpicos, queremos compartir con ustedes algunos consejos para fotografiar deportes.
Punto de enfoque: Utiliza una distancia focal que te permita ver nítido a los atletas y borroso el fondo, este tipo de fotografías son las más buscadas por los medios, además de ser agradables a la vista.
La velocidad de disparo: Configura tu cámara en modo de disparo ráfaga, lo cual te ayudará a no perderte ni un segundo de la acción, mientras más veloz tu cámara, mayor cantidad de disparos obtendrás por segundo.
Técnicas: Las básicas que se pueden utilizar en la fotografía de deportes son el “congelar” el movimiento y poder ver la acción en su totalidad o puedes hacer un “barrido” lo que te permite apreciar el movimiento que generan los atletas.
Foco automático: Configura tu objetivo en modo automático, te ayudará a no perder de vista la acción y mantener enfocado en todo momento al atleta para poder disparar en el mejor momento.
